Dès les premières images du film de Lars Von Trier, le spectateur est confronté a quelque chose d'assez inédit au cinéma : des images pures, sans commentaire, sans logique donnée, sans histoire, à la beauté formelle époustouflante. Ce sont des compositions dont les couleurs, les formes, la plasticité expriment un univers intérieur ; des images oniriques chargées d'une symbolique propre au rêve où l'espace et le temps situent un ailleurs. Ces images muettes s'offrent à l' interprétation, sollicitent un effort, troublent le spectateur et font sourdre l'inquiétude, surtout, quand elles débouchent sur quelque chose d'aussi inouï que la fin du monde!
Après cette envoûtante entrée en matière, le spectateur est ramené brutalement sur terre et le récit démarre vraiment avec un incident d'une telle incongruité que l'on a du mal à croire à son importance significative. Une luxueuse voiture toute blanche, longue comme un minibus, portant à son bord un couple de jeunes mariés et conduite par un chauffeur en tenue, peine à négocier un virage sur un chemin de campagne. Toute la première partie du film, intitulée Justine, est ainsi placée sous le sceau du détail discordant, du porte-à-faux, du pied-de-nez, de la fausse note, de la risette … Le tout conduira à faire avorter une coûteuse cérémonie de mariage, organisée dans un luxueux château entouré d'un golf à dix-huit trous !
Le comportement de Justine (magnifique Kirsten Dunst) prend tout le monde à rebrousse poil : Claire, sa sœur grave et dévouée (extraordinaire Charlotte Gainsbourg), le mari de cette dernière plein de fatuité, sa mère irascible, son prétentieux patron et surtout son mari qui, au moment où il pensait enfin consommer —n'est-ce pas?— son mariage, se retrouve seul en caleçon tandis que la jeune mariée se donne au premier venu (ou plutôt c'est elle qui le prend) sur le gazon, dans une sorte d'accouplement animal, vite fait!
Des critiques ont relevé, en le déplorant, le recours du réalisateur à la caméra portée à l'épaule pour filmer les scènes de repas, les apartés; des séquences qui sont comme volées à une fête dissonante, crissante, crispante et comme déboussolée par le comportement de la mariée et ses humeurs. Ce choix est bien sûr justifié dans un film basé dès le départ sur l'opposition de deux mondes : un monde intérieur muet et clos des images d'ouverture. C'est celui notamment où l'on voit Justine morte flottant sur l'eau dans sa robe de mariée, comme la blanche Ophélie, et un monde extérieur également clos, d'une rigueur classique, géré par Claire et son mari qui ont pris en charge tous les détails de la cérémonie. C'est ce monde qui va être perturbé jusqu'à son explosion finale par l'irruption de Justine et de sa mélancolie!
Le maître mot qui régit ce monde extérieur est Argent. Le beau-frère de Justine n'a que ce mot à la bouche, tout comme son patron dont l'autorité et la personnalité reposent uniquement sur sa puissance financière. Quand Justine lui dira qu'il est Rien, il quitte les lieux, penaud et défait : il n'existe que par sa subordination à l'argent.
L'argent est partout : dans ce château, son immense parc, son personnel, les invités. Tout respire le luxe que procure la richesse.
Tout respire la réussite, le pouvoir, le raffinement. Comparé aux premières images du film, ce monde est la matérialisation du rêve éveillé de ce que l'on peut appeler la civilisation occidentale à l'heure de sa splendeur. Le couple formé par Kirsten Dunst et John Hurt, qui évoque celui formé par Nicole Kidman et Tom Cruise dans Eyes Wide Shut du regretté Stanley Kubrick, fait penser à la poupée Barbie et à Ken son fiancé. C'est un couple fétiche fait pour faire rêver : ils sont beaux, riches, parfaits, modèles et ils cachent, dans les deux films, une réalité enfouie, inquiétante et mortelle.
Dans la deuxième partie, intitulée Claire, Justine est devenue l'ombre d'elle-même, en proie à la mélancolie et de plus en plus en phase avec son monde intérieur qui lui donne un savoir que sa sœur ne possède pas. Claire se fie aveuglément aux certitudes de son mari qui, à son tour, invoque le savoir scientifique pour rassurer sa femme : oui, la planète Melancholia qui se dirige vers la terre passera sans la heurter! les calculs scientifiques sont formels et il suit lui-même sur son propre télescope la trajectoire de cette planète venue de "derrière le soleil".
Certains ont vu dans le film de Lars Von Triers une œuvre de science fiction. Cela découle du réalisme extrême des images de la seconde partie du film, avec la progression de l'énorme planète Melancholia et le suspense angoissant qu'elle installe. Cependant, le fait est que nous avons connaissance de ces images, de l'image la plus spectaculaire en tout cas, dès l'ouverture du film, et nous savons qu'elles appartiennent à la série des visions de Justine, à son univers intérieur miné par la mélancolie et la préparant à une dépression telle qu'on la verra pantelante comme une épave, incapable de se mouvoir sans aide.
La première partie amène donc progressivement Justine à la fin de son monde : elle se détache de sa mère, de son père, de son patron, de son mari et ne garde une relation qu'avec Claire, sa sœur, qui est aussi son double, complémentaire et opposé en tous points, y compris physique. C'est à dire qu'à la dualité de deux mondes opposés et complémentaires, l'un intérieur, l'autre extérieur, l'un caché, l'autre apparent, s'ajoute la dualité représentée par les deux sœurs : l'une qui est toujours dans un ailleurs, l'autre qui a toujours les pieds sur terre. Et l'on verra à la fin du film que les deux sœurs évolueront au point de ne plus faire qu'une, en se comportant comme les deux mères d'un seul enfant, le fils de Claire, et en n'ayant plus pour seule raison d'être que sa protection, pour le préserver jusqu'au bout de l'idée même de la mort.
Alors que la clé explicative de la première partie réside dans le monde intérieur de Justine, la clé de la seconde partie réside dans le monde extérieur de Claire. Celle-ci va se rapprocher de la vérité intérieure de sa sœur en réalisant que ses certitudes reposaient sur des apparence trompeuses. Devant le danger, la lâcheté et la fatuité de son mari éclatent et, avec elles, ce monde extérieur dans lequel Claire avait une confiance aveugle.
Le thème de la science-fiction ressort du monde imaginaire par excellence. Il n'est pas le seul à être convié par Lars Von Trier pour exprimer sa vision. Il recourt aussi au fantastique, notamment dans les séquences au cours desquelles on voit Claire, terrorisée, chercher à s'échapper du domaine du château pour aller, instinct grégaire?, vers "le village". Mais sa 4x4 refuse de démarrer. La batterie de la voiturette du terrain de golf expire opportunément et le cheval, dernier recours, se cabre devant un pont sur une rivière malgré les coups de cravache et finit par s'écrouler. Nous sommes bien dans un monde intérieur, celui dont on ne peut s'échapper! D'ailleurs, plutôt que de chercher à fuir vainement sa peur, Justine s'y abandonne en offrant son corps nu au clair de Melancholia.
Deux réflexions entendues dans le film expliquent sa structure thématique.
L'une éclaire la première partie : "la vie est mauvaise". On imagine facilement dans quels abîmes peut plonger un esprit qui découvre une telle vérité allant à l'encontre de la croyance la mieux chevillée au cœur de l'humanité.
La séquence parlante à cet égard est celle qui montre Justine, dans la bibliothèque du château, en train d'enlever furieusement des copies d'art abstrait exposées pour les remplacer par celles de peintures réalistes précédant la Renaissance, aux sombres prémisses, notamment un tableau de Brueghel très en phase avec le film.
L'art abstrait, en s'éloignant du réel lui substitue un monde illusoire, semble nous dire ce geste.
La seconde est la réflexion qui explique l'origine de la planète Melancholia : un astre qui était caché par le soleil! Même les amateurs de science-fiction les plus crédules ne peuvent croire une telle hypothèse. Il faut donc bien prendre cela comme une image métaphorique : la mélancolie est l'envers noir de l'astre doré, de la médaille rayonnante du luxe, de la puissance, de la beauté illusoire et de la vanité. Elle est un mal intérieur que cache notre apparente santé mentale. Quand on la découvre, elle fonce sur nous et nous pulvérise.
La force du film de Lars Von Trier réside dans sa capacité à matérialiser à ce point la mélancolie que, quand la terre est pulvérisée dans l'extraordinaire séquence finale, on reste sans voix, comme estomaqué par un coup à couper le souffle. Hébété. Sidéré.
Une planète de fiction qui détruit la terre ne peut pas nous laisser dans un tel état. C'est bien parce qu'on a été conduit, avec un art consommé et une maîtrise parfaite de l'image et des acteurs, à réaliser que toutes nos certitudes et notre ingéniosité ne nous sont d'aucun secours contre cette "vie mauvaise". En cela, ce film a quelque chose de prémonitoire qui entre en résonance avec notre époque. Le fait de voir, en cette année 2011, le jury du festival de Cannes passer à côté d'un tel chef-d'œuvre pour primer une boursouflure narcissique néo-aryenne digne des Témoins de Jéhovah, L'Arbre de vie est en soi un signe des temps que nous vivons.
UN ANTI-ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD
Melancholia évoque par certains aspects le film de Stanley Kubrick précédemment cité. Eyes Wide Shut est également construit sur une opposition monde intérieur/monde extérieur, monde de la vérité profonde/monde des apparences trompeuses.
Après avoir raconté à son mari, sous l'effet du shit, un rêve qu'elle fit où elle est séduite par un inconnu qui lui a fait l'amour, le mari, taraudé par la jalousie, plonge dans la nuit à la recherche du moyen de tromper sa femme. Il est conduit à découvrir un univers occulte terrifiant : celui du pouvoir sans entraves des puissants de ce monde qui donnent libre cours à leurs instincts dans l'enceinte d'un mystérieux château. C'est une sorte de descente aux enfers, mais qui se referme comme une parenthèse quand le couple décide de se reconstruire vaille que vaille en commençant par faire du shopping pour chercher un cadeau de Noël pour leur enfant . Noël ouvre et ferme malicieusement le film de Kubrick, avec un précipice vertigineux au milieu.
Mais c'est surtout à L'Année dernière à Marienbad (1961) que fait penser le film de Lars Von Triers. Dans cette œuvre commune d'Alain-Resnais et d'Alain Robbe-Grillet, nous avons aussi affaire à un château au milieu d'un parc, peuplé d'invités en tenue de soirée : un univers tout de luxe, de raffinement et de beauté incarnant une sorte de perfection, l'aboutissement d'une civilisation. Au cœur de ce monde filmé comme s'il était hors du temps se joue aussi le drame éternel du couple, de l'homme et de la femme et du désir amoureux sans lequel il n'y a pas de vie.
Mais Melancholia est l'antithèse de Marienbad. Il est le film de la retombée du désir, l'histoire d'un couple qui se défait à peine formé et qui est à l'image des autres couples du film : le père et la mère de Justine qui ne se supportent plus; le couple Claire et son mari qui implose sous nos yeux. De plus, l'image du mâle est dévalorisée : le père de Justine est faible et méprisé par sa femme. Il se dérobe même aux confidences de sa fille au moment où elle avait le plus besoin de lui parler. Le mari de Claire se dégonfle comme une baudruche quand il réalise que son assurance ne reposait sur rien. Il se suicide en abandonnant à leur sort sa femme et son fils. Quant à l'époux de Justine, il ne trouve rien d'autre à lui offrir en guise de cadeau de mariage que la photo du verger au milieu duquel il compte l'installer. Après avoir vu les images intérieures de Justine que l'on a contemplées au début du film, on ne peut qu'être sidéré par tant de platitude et pris de pitié devant ce marié, si beau, abandonné en caleçon, tenant piteusement une photo de pommiers dans la main!
Melancholia est l'histoire du désir quand il se retire, quand Marienbad est le film du désir qui revient sans relâche à son objet comme les vagues à la grève. Inlassablement, un homme veut persuader une femme de le suivre tandis qu'elle hésite, retenue par un compagnon qui "gagne toujours" au jeu mais qui "peut perdre"; la mort ?
L'homme est beau et sûr de lui; la femme est ravissante et incertaine.
Hédi Dhoukar
Melancholia évoque par certains aspects le film de Stanley Kubrick précédemment cité. Eyes Wide Shut est également construit sur une opposition monde intérieur/monde extérieur, monde de la vérité profonde/monde des apparences trompeuses.
Après avoir raconté à son mari, sous l'effet du shit, un rêve qu'elle fit où elle est séduite par un inconnu qui lui a fait l'amour, le mari, taraudé par la jalousie, plonge dans la nuit à la recherche du moyen de tromper sa femme. Il est conduit à découvrir un univers occulte terrifiant : celui du pouvoir sans entraves des puissants de ce monde qui donnent libre cours à leurs instincts dans l'enceinte d'un mystérieux château. C'est une sorte de descente aux enfers, mais qui se referme comme une parenthèse quand le couple décide de se reconstruire vaille que vaille en commençant par faire du shopping pour chercher un cadeau de Noël pour leur enfant . Noël ouvre et ferme malicieusement le film de Kubrick, avec un précipice vertigineux au milieu.
Mais c'est surtout à L'Année dernière à Marienbad (1961) que fait penser le film de Lars Von Triers. Dans cette œuvre commune d'Alain-Resnais et d'Alain Robbe-Grillet, nous avons aussi affaire à un château au milieu d'un parc, peuplé d'invités en tenue de soirée : un univers tout de luxe, de raffinement et de beauté incarnant une sorte de perfection, l'aboutissement d'une civilisation. Au cœur de ce monde filmé comme s'il était hors du temps se joue aussi le drame éternel du couple, de l'homme et de la femme et du désir amoureux sans lequel il n'y a pas de vie.
Mais Melancholia est l'antithèse de Marienbad. Il est le film de la retombée du désir, l'histoire d'un couple qui se défait à peine formé et qui est à l'image des autres couples du film : le père et la mère de Justine qui ne se supportent plus; le couple Claire et son mari qui implose sous nos yeux. De plus, l'image du mâle est dévalorisée : le père de Justine est faible et méprisé par sa femme. Il se dérobe même aux confidences de sa fille au moment où elle avait le plus besoin de lui parler. Le mari de Claire se dégonfle comme une baudruche quand il réalise que son assurance ne reposait sur rien. Il se suicide en abandonnant à leur sort sa femme et son fils. Quant à l'époux de Justine, il ne trouve rien d'autre à lui offrir en guise de cadeau de mariage que la photo du verger au milieu duquel il compte l'installer. Après avoir vu les images intérieures de Justine que l'on a contemplées au début du film, on ne peut qu'être sidéré par tant de platitude et pris de pitié devant ce marié, si beau, abandonné en caleçon, tenant piteusement une photo de pommiers dans la main!
Melancholia est l'histoire du désir quand il se retire, quand Marienbad est le film du désir qui revient sans relâche à son objet comme les vagues à la grève. Inlassablement, un homme veut persuader une femme de le suivre tandis qu'elle hésite, retenue par un compagnon qui "gagne toujours" au jeu mais qui "peut perdre"; la mort ?
L'homme est beau et sûr de lui; la femme est ravissante et incertaine.
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| Une histoire de couple et de désir |
Leur relation faite d'une alternance de résistance et de séduction se retrouve jusqu'au niveau formel du film, dans sa rigueur, la sobriété presque documentaire de ses plans, et l'architecture intérieure baroque, insaisissable, répétitive et fuyante du château.
Finalement, dans Melancholia, le seul couple réel est celui constitué d'un bout à l'autre du film par les deux sœurs. Il n'est pas fondé sur le désir, mais sur le besoin. Son but n'est pas la vie, fût-elle mauvaise, mais l'affrontement d'une mort, donnée comme certaine.
Hédi Dhoukar
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